bet投注:专访“艺术人生” 分享“独家精髓”

学生在演奏时需要注意四点:一是跟交响乐团合奏的时候,考虑如何才能把声音更好地融合在一起。二是问自己如何才能更好地控制自己所弹奏的声音。三是在练习时,要通过多种不同演奏方式去发现最适合自己的、最好的对音乐的呈现方式。四是经常问自己在演奏方面还能不能有更大的提升。

在钢琴教育中,我对比赛不是很看重,更多的是要去发掘学生的潜力,去了解他们对音乐的不同理解,从每个学生自身的角度提升他们的艺术表现,这样才会让他们更有收获。另外,我建议年轻的钢琴老师和学生,在开始学习钢琴的时候,多多练习车尔尼的作品。

在大师班之前,要充分准备演奏曲目,对于一个小时的大师班,学生最好不要准备太长的曲子,如果弹曲子用半个小时,之后就只有半个小时来讲解,细节不能讲完,起不到太大的作用。建议弹10-12分钟选段或者相对简短的曲子,可以给大师留更多的时间,去讲解更重要的细节。

另外,可以录制大师课的视频,这样学生在课后回顾时,可以看到指法的变化,以及指法变化后对音质的改变,如果光是录音,学生会忘记这些要点。

而且上大师课的话,可以循序渐进多上几次,当天课程结束后回顾大师讲的细节,第二天、第三天再去上课,会有更多收获,掌握更多细节技巧。

贝多芬既吸收了前人的精华,也影响了后辈。不同于其他有自己特定风格的作曲家,贝多芬的一生都在创新,他在作曲方面进行了相当多的改革,每首作品都不相同。对贝多芬的演绎,我认为最重要的是节奏。节奏要适当,否则无法阐释出贝多芬作品的灵魂和精华。

我认为,作为钢琴老师,首先要尊重学生的个性,要让他们用自己的特性来演奏,而不是成为老师的复制品。同时也要对每个学生的背景和所处状态作深入了解,以便为不同学生提供个性化的教学方法,这样才能有针对性地进行指导,让他们得到更大的提升。

在培养学生的过程中,技巧和音乐的理解能力是要同时发展的,除此之外要教会学生聆听音乐,如果不聆听大师的作品,对音乐的理解会不到位。

而且,老师应该保护学生自己的风格,而不是像流水线一样教学生怎样弹才是正确的,应该帮助学生能够更好地展现自身对音乐的理解和阐释。

在教学生时,有两点需要注意:一是让学生学会聆听,这与学生自身的技术无关,聆听是要清楚音乐本身的含义,学生在练琴、学琴的时候,要像歌唱家一样从内心去唱出钢琴本身的旋律。二是理解旋律是如何组成的、从哪里而来,音符本身不是音乐,学生要理解音符背后所代表的内容及作曲家通过乐曲想表达的信息,演奏时要融入自己的性格。

其实上大师课,不是我教学生怎么弹,而是帮他们怎样能弹得更好。学生的基本功都很扎实,在听过他们的演奏后,我才知道该怎样去教。

对于上课的学生来说,他首先要明白自己想弹奏怎样的作品,因为每位作曲家、每个国家的风格都不相同,在弹奏的时候,演奏者需要弹出相应的风格,最重要的是要释放出这种信息。

作为协奏曲钢琴家,不仅仅要向观众表达音乐理解,也要向交响乐团的指挥和乐手表达出自己对表演曲目的见解,如果没有表达清楚的话,通过交响乐团传递的方式就会丢失掉钢琴家本身对乐曲的处理及想表达的情绪和理解。

莫扎特、贝多芬等作曲家的早期协奏曲是值得重视的,这方面如果重视不够的话,光弹大协奏曲包括俄罗斯、欧洲的现代协奏曲,演奏者的根基不牢。根基不牢,我们会感到很遗憾,因为真正古典音乐的根基是扎根于欧洲古典音乐基础上的。莫扎特的作品在音乐周的曲目中大量的展现,大量的表演,这是非常好的构思,让中国的演奏者和国外的演奏者在参与音乐周的同时,打好古典协奏曲的演奏基础,在古典协奏曲中展现出强大的力量!

贝多芬的作品源自他的内心世界,在演奏的时候,需要深入理解贝多芬独特经历,仔细研读乐谱,将自身带入到当时的情境中,变成是贝多芬本人演绎自己的作品,这样才能更好表现出贝多芬想要通过作品传达出的精神内涵。

在与交响乐团合作中,在一定条件下,演奏者可以忽略一些小的细节而注重整体效果,仔细聆听整个交响乐团的演奏,和交响乐团融为一体。

从我个人教学经验来讲,我认为真正付出爱,就可以事半功倍。作为古典艺术家,不光是弹琴这么简单,而是要从内心热爱和尊重音乐、尊重艺术。音乐是该让人感到愉悦的,现在很多学生认为学琴很痛苦,我觉得是他们还没有真正走进艺术或者说音乐这扇门。

对于学音乐的学生来说,我的建议是:首先,只有热爱,才能真正付出;其次,要保持终身学习的态度,只有不断学习才能跟上时代;再次,要保持平常心,不要急功近利,保持最初的理想和信念。

我曾以为教学最大的难度是教授学生技术、技巧等相关音乐知识,但后来做了老师,最难的是让学生踏实学琴。我从老师身上学到的,也是一种榜样的力量,帮助学生建立一个健康的学琴道路。

除了天赋,更多的是要有对音乐的热爱和持之以恒的刻苦。你总会遭遇瓶颈期,但当你对它足够热爱的时候,你就有信心继续下去,你会有更大的动力去突破瓶颈。当所有的观众都能通过你的演奏获得幸福、快乐的时候,我相信那个时候,离钢琴家的梦想就不会太遥远了。

荣誉和掌声不是成就,而是一种经历,它见证了我的努力。成为一位优秀的钢琴演奏家,是我一直以来的梦想。对于未来,我只希望自己能坚韧、进取,一步一个脚印,或许并不一样要达到一个所谓的高度,但过程一定要快乐。

音乐对我来说,是一个在不停改变的东西,可以和音乐交流,她会给你不同的反馈,根据自己的心情还有当时的情况,都会有很多改变,会跟着你自己经历过的事情而改变。我觉得当我这个人本身变得更好的时候,我的音乐出来也会效果更佳,所以说我们是共同进步的伙伴,未来我希望可以更努力,做到更好。

音乐,就像吃饭睡觉一样,是我生活的一部分。不论比赛,我都将其作为展示自己的舞台,我首先是为了享受音乐。即使是比赛,也要尽量做到去功利化,不能被功利捆住手脚。

每次出国比赛,最大的乐趣是去感受当地的音乐氛围。比如在波恩,就会去看看贝多芬生活的样子,闻闻他房间的味道,好像我也回到过去一样。另外,每次比赛都会认识一大堆热爱音乐又上进的青年,看到那么多国际上优秀的选手弹琴,对我也是很大的激励。我想音乐本就是小众的,在小众里面能接受你的人是更小众的,所以我要相信我自己的演奏在一定程度上是正确的,要有这个自信,让自己强大一些,坚持走下去。

通过比赛可以修炼“强大的、不断被刷新和磨练的内心”,参赛的目的也不是为了战胜别人,更多是要让自己的音乐被认可、被人喜欢,要和观众产生共鸣。比赛能让人在万众瞩目的情况下学习如何自我表达,这和平时关门练琴是不同的。而一个演奏者无论如何也要把自己对音乐的理解和情感传达给观众,这才是演奏的最终目的。

我觉得音乐的真谛不是技巧的炫耀,而是对音乐本身所蕴含的本质的理解。演奏中,我不会被一些复杂的和声或者高难度的技巧而困扰,我只想表达自己内心深处最真实的感受。我感觉自己已经和音乐融为一体了。未来,我希望我的音乐能让更多人欣赏和喜爱,我希望通过自己的努力能让我的钢琴演奏达到更高的境界,让自己走向更广阔的舞台。

总决赛上,聆听其他的选手对音乐的热爱都会虔诚地表现在演奏的曲子中,不管是巴赫还是莫扎特,呈现出来的听觉感受是那样的纯正,弹奏的情感真挚又感人,真不愧是西方音乐的故乡!

其实上台还是蛮紧张的,在上台的那一瞬间,内心也是要让自己平复下来,让大家看到我的努力,让大家喜欢上钢琴。

比赛之前,紧张是很正常的,在比赛之前如果多想一想要演奏的曲子,多想一想要表达的情感,会让紧张有一个非常好的缓解。

在场下还是紧张的,就走到音乐里去了,所有的紧张感都会被冲淡。比赛前,我们老师也给我做了很多的思想工作,心态很重要。

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